Moderna: Appunti di storia dell’arte dal Gotico al Barocco
()
Info su questo ebook
Leggi altro di Carmelo Lombardo
Contemporanea: Appunti di storia dell’arte dal Neoclassicismo a oggi Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl mercato dell'arte Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniVirtual Experience: La realtà virtuale nel mondo dell’arte Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniAntica: Appunti di storia dell’arte dalla preistoria al gotico Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioni
Correlato a Moderna
Ebook correlati
Introduzione all'arte Moderna: Appunti e commenti per un percorso sull'arte moderna Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIntroduzione all'arte Contemporanea: Appunti e commenti per un percorso sull'arte contemporanea Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Cinquecento: Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 48 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniCorso di storia dell'arte. Dal Duecento al Primo Ottocento. Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniL Ottocento - Arti visive (65): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 66 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniScritture dell'ornamento: Il Liberty a Milano Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniAntichità - La civiltà romana - Arti visive: Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 15 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Seicento - Arti visive (53): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 54 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Novecento - Arti visive (71): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 72 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniStudi sulla prospettiva del Rinascimento Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLettere di Mattia Preti a Don Antonio Ruffo principe della Scaletta Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLetteratura tecnica sulla scultura lapidea: Dal Rinascimento al Neoclassicismo Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Quattrocento - Arti visive (42): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 42 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Ottocento - Musica (67): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 62 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLe vite dei più eccellenti pittori, scultori e architetti Valutazione: 4 su 5 stelle4/5Architettura del Ventennio. Firenze. Guida illustrata con oltre 100 immagini d'epoca Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniFederico Cusin (1875-1972), una vita per l'arte Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Bello delle Belle Arti Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Quattrocento - Letteratura e teatro (41): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 41 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniNel tempo e nella vita. Il viaggio, metafora e realtà: No tempo e na vida. A viagem, metàfora e realidade Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Seicento - Musica (55): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 50 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLe meta stagioni estreme, Quando le opere si raccontano: libri Asino Rosso Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniSintesi di storia dell'arte Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniVittorio Novi: Un artista dei laghi da Parigi al Siam Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLa Roma segreta di Caravaggio Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniL'arte rinascimentale nel contesto Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniPerché il romanico è l'unica vera arte Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Neoclassicismo – Architettura, pittura e scultura Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniDizionario Arte: Critica Iconografia Museologia Restauro Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniMuseo e Musei: con riferimenti a Mantova Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioni
Arte per voi
Black or White Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniWassili Kandinsky Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Medioevo (secoli V-X) - Arti visive (24): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 24 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniLa storia dei colori: Il significato e l'uso dei colori dall'antica Grecia a oggi Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniGli specchi segreti di Salvador Dalí: I segreti iniziatici presenti nell’opera del pittore Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Novecento - Arti visive (71): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 72 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Medioevo (secoli XIII-XIV) - Arti visive (36): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 36 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl catechismo maggiore di San Pio X Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniScrivere una sceneggiatura: Dalla teoria al film Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniSTORIE E STILI DELLA FOTOGRAFIA - dalle origini al 1950 Valutazione: 5 su 5 stelle5/5Antichità - La civiltà greca - Arti visive: Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 8 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniI simboli maya, inca e aztechi Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniTerapia del colore Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniDizionario del sesso e dell'erotismo Valutazione: 5 su 5 stelle5/5Gli angeli nella vita e negli scritti di Gemma Galgani Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniHieronymus Bosch. Insigne pittore nel crepuscolo del Medio Evo Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniRoma Esoterica Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Seicento - Arti visive (53): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 54 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniResina Epossidica - Progetti Creativi per Principianti Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl Settecento - Arti visive (59): Storia della Civiltà Europea a cura di Umberto Eco - 60 Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniCome Allestire Le Luci Per Uno Studio Fotografico In Casa Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniCatechismo Tridentino: Contro la rivoluzione protestante Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniPer la diritta via Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniDizionario delle arti minori Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniBomarzo Ermetica: Il sogno di Vicino Orsini Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniParola di scrittore Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniPregate senza interruzione Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniI segreti dell'arte moderna e contemporanea Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioniIl libro della vita Valutazione: 0 su 5 stelle0 valutazioni
Recensioni su Moderna
0 valutazioni0 recensioni
Anteprima del libro
Moderna - Carmelo Lombardo
1
La nascita del Rinascimento
Il termine Rinascimento fu adoperato per la prima volta nel 1855 da Jules Michelet, e grazie soprattutto all’opera di Jacob Burckhardt, La civiltà del rinascimento in Italia del 1860, si affermò per indicare quel periodo di rottura
con la tradizione gotica che nacque in Italia, e in particolare a Firenze, agli inizi del Quattrocento. La rottura non fu tuttavia così marcata, perché per diversi anni tendenze gotiche e tendenze rinascimentali convissero. La civiltà rinascimentale al giorno d’oggi è vista più come una continuazione e un’evoluzione (seppur netta e animata da principî e modelli diversi) della civiltà medievale, che non come un punto di frattura insanabile. Una delle maggiori tendenze del Rinascimento fu la riscoperta dell’antichità classica, che però già permeava parte dell’arte gotica (specialmente in scultura): ci furono tuttavia delle sostanziali differenze. Intanto, il recupero del classico nel Rinascimento fu totale: forme, contenuti, modi, simboli, tecniche dell’arte antica furono imitati e praticati dagli artisti rinascimentali. In secondo luogo, l’arte antica era vista come un’occasione per studiare la modernità e osservare regole: in scultura, per esempio, l’arte antica era il punto di partenza per lo studio delle figure, dei corpi, delle anatomie. E inoltre, la nascita della prospettiva scientifica, i cui canoni furono elaborati da un architetto, Filippo Brunelleschi (Firenze, 1377 - 1446), arrivò dopo un lungo studio da parte di quest’ultimo delle architetture antiche. In terzo luogo, il classicismo rinascimentale era visto come un modo per rappresentare l’uomo nella sua realtà. Perché è Firenze il luogo in cui possiamo dire che abbia origine il Rinascimento? A Firenze, e in generale in Toscana, la riscoperta dell’antico aveva posto le sue basi già due secoli prima, attraverso l’opera degli scultori, dei letterati (Dante Alighieri e Francesco Petrarca infatti avevano dato il via allo studio della letteratura antica) per trovare compimento con il lavoro degli umanisti, come Coluccio Salutati e Leonardo Bruni che a Firenze diedero un notevole impulso allo studio delle fonti classiche. E in più, Firenze non era, agli inizi del Quattrocento, dominata da una signoria o da una corte che dettasse i gusti, ma aveva una forma di governo repubblicana che favorì l’ascesa di una ricchissima e potente borghesia che finanziava e proteggeva gli artisti. Ne conseguì che mecenati e committenti facevano spesso a gara tra loro, e tale concorrenza diede luogo a una sana rivalità tra artisti che cercavano di proporre schemi e modelli nuovi (anche se spesso non venivano pienamente compresi da una committenza ancora culturalmente legata a stilemi tardogotici). Da questa borghesia poi, più tardi, emersero i Medici che nel 1434, con Cosimo il Vecchio, si impadronirono
della città instaurando una signoria di fatto che però non mancò di incoraggiare le arti, e anzi ne alimentò il loro sviluppo. Questi furono in sostanza i fattori che permisero a Firenze di avere un ruolo di guida nel processo che fece nascere il Rinascimento come oggi lo intendiamo. Si è parlato di Filippo Brunelleschi, padre
del Rinascimento in architettura: fu lui, come detto, a sancire la nascita della prospettiva scientifica che fu la più grande novità che divise, questa volta sì in modo netto, l’arte gotica da quella rinascimentale, e fu l’artefice di una serie di edifici che si ispiravano direttamente all’arte classica. Il più famoso di tutti fu sicuramente la cupola del Duomo di Santa Maria del Fiore a Firenze, che trovava le sue radici nel Pantheon di Roma. Il primo artista ad applicare la prospettiva scientifica di Brunelleschi in pittura (per esempio nella Trinità, 1425-1427, Firenze, Santa Maria Novella) fu Tommaso di Mone Cassai, meglio noto come Masaccio (San Giovanni Valdarno, 1401 - Roma, 1428), che nonostante la sua brevissima parabola (scomparve a soli ventisette anni d’età), è considerato il padre
del Rinascimento in pittura. La sua novità fu tale da influenzare tutta una generazione di artisti, e fu lui a segnare in pittura la divisione tra arte gotica e arte rinascimentale garantendosi un ruolo di primissimo piano in tutta la storia dell’arte occidentale. Questo ruolo, in scultura, toccò invece a Donato de’ Bardi meglio noto come Donatello (Firenze, 1386 - 1466): il distacco dalla scultura gotica coincise in Donatello con la rappresentazione della realtà naturale, appresa grazie allo studio dell’arte antica. Se Brunelleschi e Masaccio adottarono un punto di vista scientifico
, che fu una delle anime del Rinascimento, Donatello invece approcciò l’arte con l’altra anima rinascimentale, quella della naturalità. Lo studio delle anatomie da parte dello scultore fiorentino e la gamma di espressioni che riuscì a conferire alle sue opere non facevano più parte del repertorio dell’arte fin dall’antichità, e questi risultati furono raggiunti anche in quelle opere che Donatello produsse accanto a quelle di matrice classica (come il Monumento al Gattamelata di Padova, realizzato tra il 1445 e il 1453), ovvero quelle che si discostavano dalle istanze più classiciste del Rinascimento (come la Maddalena del Museo dell’Opera del Duomo di Firenze, del 1455 circa) che però rientravano a pieno titolo nella modernità per il loro intenso e quasi estremo realismo. Accanto ai tre padri
del Rinascimento emersero subito le figure di alcuni artisti che, formatosi in ambito tardogotico, diedero subito un’impronta rinascimentale alle loro opere d’arte. I principali nomi sono quelli di Lorenzo Ghiberti (Firenze, 1380 circa - 1455) per quel che riguardava la scultura e del Beato Angelico (Firenze, 1395 circa - Roma 1455) per la pittura. Più anziani rispettivamente di Donatello e di Masaccio, il primo volle dare una svolta rinascimentale alla sua arte ancora contraddistinta da eleganze e preziosità tardogotiche. Il culmine di questo processo di ammodernamento si ha nei rilievi per la Porta del Paradiso (1425-1452) del Battistero di Firenze (ma le formelle originali si trovano al Museo dell’Opera del Duomo di Firenze), dove lo scultore applica, da una parte, la prospettiva scientifica di Brunelleschi (con Brunelleschi rivaleggiò nel 1401 nel celeberrimo concorso per la porta nord del Battistero, visto come uno dei momenti fondanti del Rinascimento, superando però il rivale con una composizione stilisticamente più attardata rispetto a quella dell’architetto) e dall’altra lo stiacciato inventato da Donatello. Lo stiacciato è una tecnica che permetteva di conferire la sensazione di profondità ai rilievi diminuendo lo sbalzo del rilievo dal fondo man mano che il soggetto si allontana dal punto di vista dell’osservatore. Simile fu il percorso di Guido di Pietro, poi diventato fra’ Giovanni da Fiesole e oggi noto come Beato Angelico: agli inizi fu un pittore spiccatamente tardogotico, formatosi sugli esempi di Gherardo Starnina e Lorenzo Monaco, ma entrando a contatto con Masaccio la sua arte cambiò radicalmente, e riuscì a fondere il plasticismo vigoroso di matrice masaccesca (oltre che l’applicazione in pittura della prospettiva scientifica) alla delicatezza del colorismo e all’eleganza tipicamente tardogotiche. E in più, il Beato Angelico si pose anche come innovatore di iconografie che erano ormai radicate da secoli: fu lui per esempio a eliminare il fondo oro dai polittici, come si nota dalla Pala di San Marco (1440 circa, Firenze, Museo Nazionale di San Marco). Il fatto che a Firenze si creò il clima adatto per lo sviluppo del Rinascimento, non significò però che i tre artisti che diedero il via alle novità riscontrassero un elevato successo, e la causa fu soprattutto la scarsa apertura al nuovo da parte dei committenti: Masaccio non lavorò per committenti prestigiosi (l’unico suo committente di rilievo a Firenze fu il mercante Felice Brancacci), Donatello per un certo periodo dovette lavorare a Padova, Brunelleschi perse il concorso del 1401, vinto da Ghiberti, in quanto la committenza non era ancora pronta
per la carica innovativa della sua opera, e vide rifiutarsi alcuni progetti. E lo stesso Beato Angelico dovette proporre le novità della sua arte in modo graduale ai suoi committenti ancora legati a stilemi tardogotici. Non bisogna dimenticare per esempio che nel 1423, ben sette anni dopo la realizzazione del rinascimentale San Giorgio di Donatello (Firenze, Museo del Bargello) e mentre Masaccio era impegnato nella cappella Brancacci, Gentile da Fabriano realizzava il suo capolavoro, l’Adorazione dei Magi, uno dei vertici del gotico internazionale.
1.1 La seconda generazione dei pittori del Rinascimento
Subito dopo le esperienze di Masaccio e Beato Angelico e una volta superata, da parte dei committenti, la scarsa comprensione nei confronti delle novità rinascimentali, possiamo dire, semplificando, che la pittura del Rinascimento a Firenze imboccò due direzioni: una che guardava al plasticismo e alla prospettiva scientifica di Masaccio, e l’altra che invece si indirizzava verso il senso del colorismo del Beato Angelico (anche se la situazione fu più complessa e non mancarono artisti che furono partecipi di entrambe le direzioni impresse dai due iniziatori
del Rinascimento). Queste due linee
riflettevano gli orientamenti dei committenti: chi prediligeva l’ordine e l’armonia (e si trattava perlopiù di committenze provenienti dagli ambienti religiosi, oppure di opere pubbliche della città), chi invece aveva apprezzato la sontuosità del gotico internazionale e cercava uno stile che potesse continuarne la brillantezza e in certi casi il lusso (e in questo caso si trattava soprattutto di ricchi committenti privati). Era quella che possiamo definire la seconda generazione dei pittori rinascimentali, il più delle volte più giovani di Masaccio e Beato Angelico, ma talvolta anche più anziani: si trattava perlopiù di pittori formatisi nel solco dell’arte tardogotica, che venuti a contatto con le novità rinascimentali vollero imprimere una svolta alla propria arte. È il caso, per esempio, di Paolo di Dono, soprannominato Paolo Uccello (Firenze, 1397 - 1475): si formò assieme al pittore tardogotico Gherardo Starnina ma entrò presto a contatto con artisti come Lorenzo Ghiberti e lo stesso Masaccio. Sopra un substrato che era ancora caratterizzato dalle atmosfere fiabesche del gotico internazionale, Paolo Uccello, interessato alle ricerche sulla prospettiva (quella scientifica aveva trovato per la prima volta applicazione in pittura nell’opera di Masaccio), si dedicò alla prospettiva in modo quasi ossessivo. Tuttavia, l’artista rifiutò la prospettiva artificialis (quella di Brunelleschi e Masaccio) per sperimentare invece a fondo la perspectiva naturalis (prospettiva naturale), di origine medievale, quella che ovvero risponde non alle leggi della geometria, bensì a quelle dell’ottica. Paolo Uccello è noto per essere stato il pittore pro babilmente più affascinato dalla prospettiva al punto tale da far nascere aneddoti sul suo conto (famosissimo quello secondo cui avrebbe trascurato la moglie per dedicarsi ai suoi studi prospettici), e per aver creato le composizioni prospetticamente più ardite della prima metà del Quattrocento che spesso sembrano quasi sfociare nell’irrazionale. È per esempio il caso del Diluvio universale, 1436-1440 circa, Firenze, Santa Maria Novella, Chiostro Verde. Simile all’esperienza di Paolo Uccello è quella di Andrea del Castagno (Castagno, 1420 circa - 1457), che però rifiutò le punte estreme dell’arte di Paolo Uccello e indirizzò le sue ricerche verso un espressionismo che applicò allo studio delle psicologie dei sui personaggi (come nel ciclo degli uomini illustri, per esempio Farinata degli Uberti, 1449-1451, Firenze, Uffizi): uno studio che derivò ad Andrea del Castagno dalla lettura dell’arte di Donatello e che suggestionò non pochi artisti della generazione successiva. Sul fronte opposto rispetto a quello di Paolo Uccello e Andrea del Castagno troviamo invece Domenico Veneziano (Venezia, 1410 – Firenze, 1461): pittore estremamente elegante, propose un’arte quasi aristocratica che sapeva rivolgersi a una committenza che non aveva smesso di apprezzare le raffinatezze tardogotiche ma che cercava anche di aggiornarsi sulle novità rinascimentali. Non è un caso che lo stesso Domenico Veneziano fosse un allievo di Gentile da Fabriano al suo arrivo, giovanissimo, a Firenze, e che da Gentile da Fabriano riprendesse la grande passione per il lusso. Domenico Veneziano fu anche autore di uno dei più grandi capolavori del primo Rinascimento, la Pala dei Magnoli (1445, Firenze, Uffizi), una tavola caratterizzata da colori brillanti ma delicati, dalla rigorosa applicazione della prospettiva scientifica, e dalla persistenza di alcuni elementi tratti dal lessico del gotico internazionale.
Nel mezzo di queste due tendenze assunte dalla seconda generazione dei pittori rinascimentali, si pose la figura di Filippo Lippi (Firenze, 1406 - Spoleto, 1469), frate-pittore che probabilmente imparò a dipingere quasi da autodidatta, osservando Masaccio e Masolino da Panicale all’opera nella cappella Brancacci, che si trovava nella chiesa del Carmine, ovvero la chiesa del convento in cui Filippo Lippi era entrato. Filippo Lippi seppe coniugare il plasticismo masaccesco alla delicatezza dei colori del Beato Angelico, producendo ora capolavori con figure forti e vigorose (come la Madonna Trivulzio, 1431 circa, Milano, Castello Sforzesco), ora delicatissime opere dal sapore quasi intimista (come la cosiddetta Lippina, 1455-1465 circa, Firenze, Uffizi). Fu però il suo lirismo la più importante delle caratteristiche della sua arte, un lirismo che fu di esempio per molti pittori che arrivarono dopo di lui, su tutti Sandro Botticelli, che di Filippo Lippi fu